网易设计报道 明珠美术馆于开馆一周年之际，精心策划推出新媒体数字艺术大展：“（重）塑世界：法国国立当代艺术中心（Le Fresnoy）数字艺术创作二十年”，并于2018年12月22日（周六）举办开幕式暨新闻发布会。
展期： 2018年12月15日-2019年3月3日
开幕式： 2018年12月22日
出品人：李 爽
策展人：李丹丹、埃里克普利让、娜塔丽崔比克
艺术总监：阿兰福莱歇
展陈设计：Margo RENISIO - IDEAA3
主办：明珠美术馆、法国国立当代艺术中心（Le Fresnoy）
承办：上海元真文化传媒有限公司
支持：上海新华发行集团、红星美凯龙家居集团
特别支持：法国驻上海总领事馆
展览地点：明珠美术馆
上海市闵行区吴中路1588号，爱琴海购物公园8楼
参观时间：每周一闭馆；
周二至周五上午10点至晚7点（晚6点停止入场）
周六至周日上午10点至晚10点（晚9点停止入场）
明珠美术馆执行馆长、策展人李丹丹
作为一家从事艺术展览、教育、研究、推广及文化艺术交流的民营非盈利性艺术机构，明珠美术馆以“艺术点亮生活”为宗旨，勇于打破藩篱。此次展览与法国国立当代艺术中心（Le Fresnoy）合作，邀请二十组来自世界各地从这一独特艺术机构走出的艺术家，通过二十组囊括了多重创作手段的数字艺术作品，为观众带来一个技术塑型下面向未来的展览。
参展艺术家代表：刘真辰、陈俊恺、雨果·德维切尔
本次展览参展作品尤其关注图像、声音与通信技术，并试图通过利用、调转、再挪用这些技术，得以观察、思考并（重）塑这个世界——将世界数字化、以新的方式展现它，也印证了展览的核心：（重新）为世界建模 / (re) model the world。其中一些作品混合了传统技术（16毫米胶片与传统摄影）与数字技术，一些作品加入了混合影像、电影后期制作特效、合成图像以及摄影测量术和3D扫描，还有作品使用了前沿技术，诸如动作捕捉与互动，或使用能够每秒钟识别2000张图像的摄影机器，甚至使用纳米摄影、纳米雕刻、红外成像、数码可视化、算法、生成性和机器学习。另一些作品源于和科学的接触，以及和科学家的奇妙邂逅（抽象的数学对象实现特征可视化，资料与科学成像系统的再利用，运动的程序化建模等等）。某些作品甚至曾被构想为两个领域的共同成果。如普鲁斯特所言，“只有借助艺术，我们才能走出自我，了解别人在他的世界、那个与我们不同的世界里看到些什么，否则，那个世界上的景象会像月亮上有些什么一样不为我们所知晓。”在这场全新的展览之中，一切呈现给我们的，都是被创造它们的艺术家重塑的世界。
开幕式现场
法国国立当代艺术中心（Le Fresnoy）是欧洲最重要的当代视听艺术创作中心和高等艺术研究院，1997年于法国北部城市图尔宽（Tourcoing）落成。法国前任文化部部长，前任蓬皮杜博物馆馆长多米尼克·博索（Dominique Bozo）为机构角色定义为：“视听高科技的梅迪奇”、“电子的包豪斯”和“造型的IRCAM”。作为欧洲殿堂级高等艺术机构，中心至今已培养了许多活跃在世界当代艺术舞台上的杰出艺术家，成为了促进青年艺术家创作的前沿共同体。
法国国立当代艺术中心（Le Fresnoy）数字研究部负责人Eric导览
基于艺术观点的契合以及对法国国立当代艺术中心（Le Fresnoy）在数字艺术创作领域取得的杰出成就的赞赏，明珠美术馆发起并策划了此次展览，以“（重）塑世界”为主题，美术馆希望通过展出这些全球著名及新锐艺术家们综合多种技术与媒介的数字艺术作品，在开馆一周年之际带来一场打开感官与体验的国际大展。
展览现场
2018年12月到2019年3月整个展期内，明珠美术馆还策划了一系列丰富多彩的公共艺术教育活动，邀请策展人、Le Fresnoy代表、挑战科技与艺术的跨界艺术家、文化艺术学者、科学家、哲学家们，围绕“多媒体-艺术”、“技术-艺术”等相关主题，在美术馆开展讲座、沙龙、工作坊等公共艺术教育活动。另外，明珠美术馆将携法国国立当代艺术中心（Le Fresnoy）代表及部分参展艺术家前往全国各大高校进行学术交流和讲座，让美术馆成为流动的公众艺术教育与交流平台。
《叶马亚》（Yemaya), 2018
赛义德·阿菲
《叶马亚》（Yemaya), 2018
《叶马亚》是一件虚拟现实沉浸式装置作品，是一次通过使用科学工具和方法来重新构建视觉与诗意语言的尝试。它以某种特定的洞穴模型为基础，以此构建一个梦的分演。这种洞穴模型出自法国国家科学研究院（CNRS）数字档案，其数据来源采用海底摄影测量技术以及水下传感器进行的声学测量技术，以此获得具有高分辨率的三维可视化结果。这些技术为人类展开海底科学观察研究带来便利。
《叶马亚》（Yemaya), 2018
该作品呈现了一场冥想且诗意的漫游，其中每个细节都被模仿为一种音乐振动。它也以此促使我们去思考关于图像、再现形式及其美学和技术的表现形式的问题。
《混凝土镜子》(CONCRETE MIRRORS), 2010
戴维·德·拜特 David De Beyter
《混凝土镜子》讨论的是1960年代征服太空的图像，回溯到冷战时期的猜疑与妄想的氛围之中。作品以伪摄影纪录的形式呈现，将三组不同性质和状态的图像并置，再结合现实的不同类型：这些就是文献，是虚拟，那些则是不同的场所。
《混凝土镜子》(CONCRETE MIRRORS), 2010
作品的第一章以历史学的形式展现了一些六十年代的乌托邦式建筑、科学设施和以因其类火星或月球的景象而闻名的地景。之所以挑选这些建筑，并非是因为它们表面的形式感，而是在于它们体现了一种观念的废弃：一种将乌托邦作为思想和创造的领地的观念。从一份充满图纸和关于70年代建筑预想的对象的文献中，这项研究的第二章的目的是，随着3D技术的广泛应用，为那些未实现的、有神话象征性的建筑项目提供了一种存在方式，即用场景化的摄影方式来对其进行阐释。作品第三章探索的是那个时期的科技与摄影资料，例如摄影测量学或美国国家航空航天局(NASA)领导下的一些经验，NASA的特定工具曾帮助重新定义了征服太空的想象，并拓展出了更多在此之上的幻想。因此，考古学以呈现素材集的研究方法进一步开展，其中每一个图像都是相互关联的。
这项浪漫的探索在所有试验区域的记载中构建了一个想象的领地，在那个试验区域，曾经的时代错误加深了未来愿景与崩塌神话之间的鸿沟。
《操作方式》(Howto), 2014
伊丽莎白·卡拉维拉 Elisabeth Caravella
伊丽莎白·卡拉维拉出生于1986年，是一名生活和工作在巴黎的法国艺术家和电影人。她毕业于欧洲视觉艺术学院，巴黎国立装饰艺术高等学院及法国国立当代艺术中心(Le Fresnoy)，其作品融合了观念艺术、电影和数字艺术。她的实验虚构影片灵感来源于文化控制论和电影，作品包括Photoshop电影《匿名电话》(2009)，电影教程《操作方式》(2014)，以及虚拟现实引擎电影（又译：游戏电影、机械电影）《危机》(2018)。
《操作方式》是一个视频教程，其中它的拍摄者在教我们如何创作一个三维文本。但很快的，操作变得复杂起来，软件开始失去控制，拍摄者发现她并不是独自一人。
《操作方式》(Howto), 2014
“How to”是网络教程中的关键用词。这些解释性的屏幕截图最初用于电脑相关工作，通常由业余爱好者制作。艺术家发现了这些截屏视频所具有的电影潜力，想要制作一部完全由她的电脑屏幕组成的新一代虚构纪录片。就像一面镜子，教程正是用显示它的屏幕拍摄而成的。这件作品是异想天开的、乌托邦式的，它却又是现实的图像。
《黑波》(Ondes noires), 2017
伊斯梅尔·乔弗洛伊·尚杜提斯 Ismaël Joffroy Chandoutis
当今社会人与人之间的联系日益紧密，放射波入侵了各种各样的空间。三位电磁辐射不耐受者讲述他们如何在这个对他们而言渐渐触不可及的世界中艰难生存。
本片讲述了生活在社会边缘的三个电子过敏人士的故事。影片的主线是三个主人公的叙述，他们讲述了之前和现在的生活、他们的斗争、感受、痛苦，以及对未来的期望。同时他们的叙述引起了自身的内省。
《黑波》(Ondes noires), 2017
《黑波》是三个电子过敏人士的证词。其中一个是计算机科学家，他无法工作或入睡，不得不逃离生活，在马路上徘徊了几个星期；另一个是住在铝箔保护室里的青少年，用音乐打发时光；最后一个人物是一位不得不躲在史前山洞里躲避电波的年轻女性。三位主人公向我们讲述了他们的旅行、孤独和对未来的期望。影片试图用叙述的方式展现主人公内心的挣扎，从而使看不见的电磁波在我们眼前变得具体化。一些自然或城市景象先是慢慢出现在我们眼前，然后突然开始变化：这些景象开始结成群，撕裂，变形，仿佛图像和声音都渐渐被电波污染了。
《和鸣》(Correspondance), 2018
陈俊恺 Junkai Chen
《和鸣》是一件互动的装置表演作品，陈俊恺自由地从两首诗歌中汲取创作灵感，一首来自于法国诗人波德莱尔的“Correspondance（应和）”，诗歌把不同的五官感受通过文字传递给读者，另一首来自于王维作品《鸟鸣涧》，向读者展示了幽静而美丽的景色。所以，装置使用了传统的乐器，古老的曲法和唯美的图像。
《和鸣》(Correspondance), 2018
而互动设备的运用可以使观众身临其境，让他们的动作可以实时地勾勒出一场充满诗意的交响乐。装置将身体视为一种工具，与绘画和音乐结合，比如画家的画笔，可以勾勒出不同的景观，比如音乐家的指挥棒，可以演奏出不同的音乐。
《万象》(Cosmorama), 2017
雨果·德维切尔 Hugo Deverchère
《万象》(Cosmorama), 2017
“万象”观察世界，抛开世界的表象。它有如一场旅行，从我们周遭所及出发到遥远未知的宇宙边际，揭示出光谱中不可感知的领域。影片对我们通常的感知力和表现力提出了质疑，试图把一些概念，比如“未知”、“不确定”和“怪异”，重新引入我们与世界的关系中。
《万象》(Cosmorama), 2017
影片拍摄于一座天文台附近——在一片美国国家航空航天局（NASA）近期测试过火星探测器的熔岩沙漠中，以及一处让我们看到五千万年前世界概况的原始森林中。它使用天文学家常用于观察宇宙深处的近红外图像处理技术，通过将射电望远镜数据转换为声音，让遥远恒星与星系发射出的光波振动可被听见。通过打破我们惯用的时空标记，“万象”使一种敏感的、集体的纯粹感知经验升腾起来。
《万象》(Cosmorama), 2017
《公式集》(Formulaire), 2018
阿兰·福莱歇 Alain Fleischer/阿尔诺·波提Arnaud Petit/让-菲利普·乌赞Jean-Philippe Uzan
《公式集》(Formulaire), 2018
“没有声音就没有思想。”
《公式集》反映的是关于音乐如何在文字、写作和数学之间创造对话。这件影像装置作品着眼于巴黎亨利-庞加莱研究所的数学模型收藏。这些由木头、石膏或电线制成的几何雕塑被誉为“由方程式塑造的雕塑”，最初被运用于教学，旨在具象化地表现抽象的数学对象的性质。这种既抽象又具体刻画的表现形式并不代表我们所能看到的，而是代表我们所知道的、以及数学思想的生产。它们并不描绘某一自然物体，而是描绘可能导致一个客体形成的某一法则。它们是思维的形象，是片刻间思想调度的显现。
人们已经从数学的、音乐的和电影摄影的角度“观察”了这些谜一般的实体形式。《公式集》是一则论述，试图尽可能地揭示数学发明中的人性，仿佛一个微小的声音剧场，其中一些声音展示了对世界的深刻理解，而这些声音正被演奏的快感所掩盖。
《奔跑吧宝贝》(Run Baby Run), 2010
塞巴斯蒂安·希尔德布兰德 Sébastien Hildebrand
《奔跑吧宝贝》(Run Baby Run), 2010
在塞巴斯蒂安•希尔德布兰德的实践中，他特别重视人与机器的关系。这一点首先反映于他的绘画中，其次体现在互动装置和摄影创作中。作品总是一种伙伴关系，人类试图将机器施加的约束理解为真实的物理性和时间性的含意。因此，图像制作问题在他的实践中占有重要地位，尤其是与媒体相关的图像。媒体与人机关系结合的形象曾逐步导致高水平的运动员的产生，为竞赛一点点微调而成，最终出现在我们媒体的头条新闻之中。《奔跑吧宝贝》这个项目的重点是朝着终点线这个目标赛跑。有一种技术设备被用于需要极高计时精度的学科，即一种以每秒2000张图像的速度拍摄1像素宽图像(将终点线具体化)的相机。正是这些精细的线条组合提供了摄影在时间之中的可读性。《奔跑吧宝贝》便是用这款相机拍摄而成的一系列照片，它呈现了商人、士兵、消费者、消防员、旅行者等与时间赛跑者的日常情景。
《行行重行行》(La terre qui tombe), 2014
黄镇乾 Zhenqian Huang
《行行重行行》是一段在现实与虚拟之间的旅程，伴随煤矿内外的环境声音，飞越煤渣山的地形外貌，穿梭煤矿的地层横折面。电影运用了数码合成等工具，使艺术重新成为一种本体论的实验，一种勘察大地的方式。导演运用科学与诗意的手法, 重新呈现世界文化遗产, 欧洲最高的煤渣山：位于法国北部Nord Pas-de-Calais的煤矿地域面貌。作品试图通过煤矿资料馆的文献资料重新建造被封闭的地下煤矿的通道，以人文观点描绘煤渣山的地形，地底煤矿的原生态和人群的历史演进以及三者的比例关系。藉由数码经验，这趟虚拟旅程重新唤起对地域环境的感知和生命存在的关注，我们得以窥探它的过去和现在，并对个体与其地理空间的关系提出疑问。
《“帝国”系列之底特律》(L'EMPIRE DETROIT), 2016
奥雷利安·凡纳-勒穆索 AurélienVernhes-Lermusiaux
《“帝国”系列之底特律》(L'EMPIRE DETROIT), 2016
《帝国》是一个互动装置，使人沉浸其中，反思废墟这一主题。这件装置展现了人类与敏感的存在物在废墟中穿行时可能对一个地方产生的影响。
《万花筒– C72293916》 (Kaleidoscope – C72293916), 2018
刘真辰 Zhenchen Liu
《万花筒– C72293916》 (Kaleidoscope – C72293916), 2018
“万花筒”的英文名字Kaleidoscope来源于希腊词根，kalos(美)、eidos(形式)和scope(观看)，本意是观看美丽的形式。这件作品由273块广告灯箱组成，每一个单独的图像都是断裂的、离散的，指向被隐藏的语义，其色彩来自于阳光在某些物体上的折光。
《问候》(Grüsse aus), 2013
尼古拉斯·穆兰 Nicolas Moulin
《问候》(Grüsse aus), 2013
将作品命名为《问候》是源于我的明信片收藏。在这个被脸书、推特和电子邮件占领的年代，明信片这种物理对象已经渐渐过时，但它在我们的记忆中是可寻的，因此也继续以其独特的方式向我们发送讯息：这些讯息不再是某人的旅行感悟，不再由某一个人寄给另一个人，而是来自一个消逝年代的历史讯号。继而随着时间的推移，记忆发生变化并扭曲失真，直至故事变得面目全非，然而这些失真的记忆仍然留在我的脑海里，尽管显得过时且可疑。在我的作品中，我想用综合技术的手段玩一把“法国国立当代艺术中心（Le Fresnoy）的游戏”。在我已经实现的系列作品里，例如“Wenluderwind”，我意图通过视觉模拟重建“似曾相识”的感觉。这一次，我结合了多种基础技术和高科技技术。这些特效照片和混合景观质疑了“真实”的概念和对真实的感知，质疑了我们对历史和环境的记忆。照片上这些未来主义的创作属于未完成的现代主义梦想，并与未来梦想混合成为记忆。像是从另一个世界寄来的超自然明信片。同时，我还希望通过加上我做雕塑时的音轨来完成这件作品，用我自己的厂牌“Grautag Records”制作。它将于我在法国国立当代艺术中心（Le Fresnoy）的一周年纪念时发布，是由音乐家、艺术家克里斯蒂安·维亚拉制作的双面黑胶唱片，作为一点痕迹，一个版本，最终也成为一种“明信片”。(尼古拉斯·穆兰，2013)
《音乐编织》(Meier atisser musical /The Musical Loom), 2005
伍韶劲 Kindsley Ng
《音乐编织》(Meier atisser musical /The Musical Loom), 2005
纺织机在法国北部的历史中具有举足轻重的作用。机械的运动、声音、飞舞的丝线代表的不仅仅是过去的工业社会，也是一代人的记忆。在每个人不同的际遇里，纺织机可能代表诗意，也可能代表忧伤。这件作品试图将纺织机变成能发出声音和图像的工具，从而令居民“编织”具有地区特色的优美景观。
《音乐编织》(Meier atisser musical /The Musical Loom), 2005
另一方面，纺织机在多媒体艺术史上作为“第一个制作出图像的机器”（列夫•曼诺维奇），也具有特殊的意义。在此，这件纺织机，一件250年前的“现成品”，用它自己的方式向每位观众发声，而观众也能够自由地将地区历史和全球历史联系起来，更可以亲身实践，用纺织机编一段属于自己的音乐。
《音乐编织》(Meier atisser musical /The Musical Loom), 2005
《永远不要制造名词》(Ne jamais en faire un substantive), 2017
巴普蒂斯特·哈比雄 Baptiste Rabichon
巴普蒂斯特•哈比雄尝试用新方法生成图像，综合运用暗箱和电脑、化学方法和像素。他展示的作品将模拟和数字结合起来，对不使用相机、扭曲最新技术的早期摄影技术进行更新。哈比雄的图像通常包括多个层面，这些层面对应许多不同的连续动作，试图呈现肉眼或摄影光学无法看到的现实。这就是为何他把相机镜头移开或遮住，让光敏细胞直接接触圆珠笔、激光或X射线，从而创造出具有宇宙重现能力的可复制数字图像。
《永远不要制造名词》(Ne jamais en faire un substantive), 2017
X射线指的是哈比雄专注于机场扫描仪的作品，他颠覆了机场扫描仪的安全目的，以发现其艺术潜力，并在随机性和重复性之间获得半透明物体和抽象照片的静物画。因此，哈比雄在形式多样性方面的广泛研究似乎有一个共同点，即维兰•傅拉瑟 (Vilem Flusser) 在1996年出版的摄影哲学 (Pour une philosophie de la photographie) 一书中提出的：“自由就是与所有相机对抗。”(艾蒂安•哈特)
《永远不要制造名词》(Ne jamais en faire un substantive), 2017
《他-120609》(Il120609), 2009
克里斯蒂安·赫佐 Christian Rizzo
《他-120609》(Il120609), 2009
是一份剪报的标准模型。
是那些相遇中的一个插曲。
是雕塑和图像之间的某处。
是运动中的他者。
是一个日期。
是一个邀约。
是放在厨房前面的购物袋。
是经过修饰的记忆。
是面具。
是虚无。
是一场没有后遗症的事故。
是遗忘前的等待。
是周围的空间。
是调查中的蛛丝马迹。
是一首极简主义的歌曲。
我正在寻找他的名字。
（克里斯汀•赫佐）
《他-120609》(Il120609), 2009
《追浪》(En recherchant la vague), 2013
卡登·罗比亚尔 Gaëtan Robillard
《追浪》的灵感来自亨利·查理尔的故事。查理尔是卡宴（法属圭亚那）的 “恶魔岛”上的一名囚徒，他利用基本的计数技巧来研究海浪的运动，从而制作逃离小岛的方案。卡登创造的图像展示了数学方程如何模拟波浪运动以及流体在时间和空间中的演化。
《追浪》(En recherchant la vague), 2013
随着摄像机沿着岸边缓慢移动，法国哲学家贝尔纳•斯蒂格勒以画外音的形式提出了一个问题：“什么是域？”然后进一步提出了有关深层领域以及数学方程式的常数和未知数的问题。斯蒂格勒在年轻时因试图抢劫一家银行而被监禁了约4年，据他自己讲，他便是由此开始对哲学产生浓厚的兴趣。这里有一个饶有兴味的叠加处理：一个不可见的形象朗读画外音，与此同时，萦绕在其中的查理尔本人的形象却从未在画面中出现：从某种意义上来说，画外音剧本是对发生在影像“表面”之后的运算的配音，是影像的“底面”。
《追浪》(En recherchant la vague), 2013
计算机模拟绘制了恶魔岛的周围环境：笼罩于海底的网格，以及由数百万运动的颗粒组成的像素化波浪。这些重要的视觉元素成为了一种当下为人熟知的美学组成部分，这种美学与一种能够不断地映射和排序世界的计算幻想有关。通过数字假体的可视化形式的使用，为生成这些图像所使用的方法与新兴的时空概念间的关系变得难以辨识。
《追浪》(En recherchant la vague), 2013
《我刻在他的头发里》(J'ai gravé dans ses cheveux), 2016
昆达尔·萨特 Gwendal Sartre
《我刻在他的头发里》(J'ai gravé dans ses cheveux), 2016
时间近在咫尺，它静静地衡量着各种努力，各种隐约存在的焦虑、忍耐和热情，在一瞬间情形似乎明朗起来，但转瞬（又）使人困扰——是否可以期待一条不那么错综曲折的道路。时间不会撤退或退缩，它只会根据在昆达尔•萨特从未停止过的研究中获得的感知那样，缩短、变窄、弯曲和延伸。最终，时间时而晦涩、时而明确地提供这一探索空间需遵循的线索或指示或方向，以便符合图像的衣纹，追踪埋藏已久却有着最遥远亲密感的事物，比如昆达尔必须理清的一连串挥动或签名，同时不相信他能解开这个谜团，并看着谜团消散。
《我刻在他的头发里》(J'ai gravé dans ses cheveux), 2016
重要的是，首先，有着非常奇怪标识的字符可以像碑文或著述领域的清晰材料（不一定可立即被辨认或解释）一样，被感知、理解、把握和提取，我们可能想以科学或艺术方法阐述其意义，而且，我们认为，根据不同的时空组合及断断续续的命运安排，很容易随时从它们身上以及透过其轨迹画出“真理线”。这些线条细若发丝，但是自奥斯卡•施莱默(Oskar Schlemmer)之后，我们知道它们构成了脆弱但不可削减的力场，使他能够有此梦想：“我想建一座细若发丝的纪念碑”。这一愿望以其自相矛盾的力量带来了无尽的希望，尽管历史上不断对其进行了种种残酷的否定。
昆达尔在一种强烈的驱动下（可以说，这纯粹是源于一种敏锐的先见之明）探索著述交织、错乱和重叠的区域，去描绘这些区域，在无限的范围内去揭示最初区域（我们不确定哪个区域可能是本土的或极其古老的，对“时间”的征服不可剥夺，或是最意想不到的巧合形成的可能牢不可破的结构）。瑞士画家路易斯•索特 (Louis Soutter) 写道：“我编织灰色的线网。”
这条灰色网上的线与世界的联系并没有被切断，且必须被再次并永久地发明、发现以及创造。如今，昆达尔进一步强化了这个观点：欲望可以通过线弦来定义欲望之网、及其延伸和链接物品，并作用于它们，这些线弦将编制以最隐秘的方式庆祝的某一特定存在时刻的精确绘图。
《似曾听闻｜自动歌剧机》(Déjà Entendu｜An opera automaton), 2015
卢卡斯・特鲁杰 Lukas Truniger
《似曾听闻｜自动歌剧机》(Déjà Entendu｜An opera automaton), 2015
这件装置取材于讲述《浮士德》的神话（是一部人类与魔鬼订立契约以满足其好奇心和欲望的史诗）的歌剧文本和旋律，探索语言的潜在边界。
《似曾听闻｜自动歌剧机》(Déjà Entendu｜An opera automaton), 2015
102个LED屏幕和同样多的扬声器，以重复模式排列，形成了一个新的视听雕塑。通过光与声音的片段移动，对《浮士德》不断进行新的诠释。歌手演唱的歌句和旋律被重构成“文本块”和“音符串”，所使用的机器学习软件在我们的日常生活中无处不在。
《似曾听闻｜自动歌剧机》(Déjà Entendu｜An opera automaton), 2015
这是一个关于感知边界的游戏。在此，语言失去了意义，变得抽象化、节奏化和形象化，展现出一种恰当的，尽管很荒谬的——数字诗学。
《飞行指令》(Avis aux navigateurs), 2017
雅各布·维纳 Jacob Wiener
《飞行指令》(Avis aux navigateurs), 2017
我的生命贯穿着西班牙殖民、孩童时代的书籍、绘图软件、航空先驱、低成本假期、咖啡店、明信片、无疾而终的爱情、暗恋、无人机、沉船、社交网络、明星、房地产经纪人、分享视频、遥远地带、不眠的黑夜、酣眠的白昼……
每个人都有自己做梦的方式，用着自己能获得的工具，而金钱财富以及互联共通让我们在这个时代能够看见梦境、准备做梦、下载梦境以及随意提升逃离梦境的可能性。然而，是什么算法在引导我们的步伐？是什么在催促我们遵循无休止的流程，分享我们隐藏在浏览记录里的旅行愿望清单？
网络上有很多关于旅行的经验、青春、失误、遗憾、特权和机会，这里面有好意，但也充斥着虚拟世界的狂躁，在这里，一系列梦境中不断出现的独特景象和极度平庸的遥远地带实现了脆弱的平衡。
已经不再清楚到底是我真实经历过的，还是由于对互联网的沉迷而产生了这些浪漫主义影片，且让它们自由诉说吧。（雅各布・维纳）
《神旨解构公司》(L'entreprise de déconstruction théotechnique/ Theotechnical Deconstruction INC), 2016
法比安·扎克 Fabien Zocco
《神旨解构公司》(L'entreprise de déconstruction théotechnique/ Theotechnical Deconstruction INC), 2016
“在他女婿看来好像有人在嬉笑。”
法比安・扎克于2016年创作的作品《神旨解构公司》(Theotechnical Deconstruction INC)架设了《旧约》与破坏其意义的机械秩序之间的冲突。第一个改动是将圣经文本引入一系列计算机算法。因此，文本受到随机约束的干扰，使其意义变形。这产生了一些表达，例如“在他女婿看来好像有人在嬉笑”、“我会让你硕果累累”。这些改变产生的影响不明确。由此产生的一些表达可被理解，或者由于语义或声音的扭曲甚至具有抽象的诗意。相反，另一些表达则展示了恶意的语言机制，不能产生任何意义。在对文本及其重要性和意义进行处理之外，还有一种字面处理扩大了文本的变化。这些表达是通过连接在移动机器人手臂上的智能手机上经电脑处理过的声音发出的，这些移动机器人手臂与放置在地板上的半圆形金属结构相连。然而，在强化技术（人工制品与人工制品相连）之外还会导致其他结果。这些声音可以是独奏、二重奏或复调。手臂的动作就像动物的舞蹈。这就是机器人社会的意义所在，它整体表达了《旧约》的片段：将解构的语言（书面和口头的）、理解、神性、技术、动物和人类结合起来，在它们之间创造一种亲近感，或者与之相反，确保他们不能自我识别。
明珠美术馆
明珠美术馆由上海新华发行集团与红星美凯龙家居集团合作创建，是一家从事艺术展览、教育、研究、推广及交流的民营非营利性艺术机构。美术馆由国际知名日本建筑大师安藤忠雄（Tadao Ando）设计，建筑名为“光的空间（Light Space）”,由明珠美术馆与新华书店组成上下叠加的独特“艺文”空间。
作为交流对话的场所，明珠美术馆勇于打破藩篱，担当起艺术、文化、思想领域的重要角色，彰显独树一帜的特色；全年举办主题展览和艺术家个展 ，涉及绘画、影像、装置、设计、摄影、书籍、时尚和表演等多元领域；将以国际化的视野，组织多层次的、丰富的艺术教育与会员活动，开设以“艺术生活实验室”（LAb）为主题的艺术商店，引领上海艺文生活。
法国国立当代艺术中心（Le Fresnoy）：一个独一无二的地方
法国国立当代艺术中心（Le Fresnoy）由法裔瑞士建筑家伯纳德.屈米(Bernard Tschumi)设计，它的结构融合并保留了老式舞厅和娱乐中心弗雷努瓦（Le Fresnoy）的设计，艺术中心的别称由此而来。它源于法国文化部决心建立一个艺术、视听和数字创作的现代中心的设想，阿兰?福莱歇(Alain Fleischer)为其创始人和负责人。
法国国立当代艺术中心（Le Fresnoy）被称为“视听高科技的梅迪奇”、“电子的包豪斯”和“造型的IRCAM（国际音乐音响研究所）”，除了这些简单的标签，艺术中心的使命是通过提供优秀的跨学科课程和全面的专业设备来完善法国现有的艺术、视听和数字艺术创作培养机制，其教学人员包括定期更换的访问教授、法国及国际著名艺术家，带领学生从传统工具和现代语言（电影、摄影、视频、声音和音乐）跨越到当代技术和数字资源。它是一所为制作、实验与展现而生的独特机构。
本文来源：网易设计
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