香港设计师郑树芬出生于1963年，在他出生后的第二年，披头士选择了香港作为海外演出第二站，由此，英美流行文化开始正式影响香港。
而与之相对的是，直到70年代，香港才正式废除大清律例。
郑树芬正好成长在这样复杂的政治与文化背景之下，既受到英美文化的冲击，又无法剥离中国传统文化的影响。
随着舶来文化的在地发展，在矛盾与融合的此消彼长中，香港文化初现端倪，直至八九十年代，迎来全盛时期。在那个只有天王巨星没有流量小生的年代，郑树芬的客户就是娱乐版与金融版头条的常客，那些赫赫有名的名字到了现在都已成了传奇。
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"雅奢”是标签也是真实人生
许多人都不希望自己被贴上标签，但我们在寻找个体之间的差异时，难免会简单粗暴地用标签来进行区分，作为室内设计师，郑树芬的标签是“雅奢大师”，而“雅”“奢”二字也确实贯穿着郑树芬的真实人生。
已无需赘述郑树芬从金融才子到设计大师的传奇经历，我们只需了解，他转行进入设计行业，是一个把爱好变成职业的典型故事。从金融到创意行业，这两个行业所对应的形容词，也与“雅奢”不无关联。
“雅”，不仅仅体现在郑树芬个人的优雅与绅士风度上，还因他本身深厚的文化积淀，以及对艺术的敏锐触觉，在他的设计中，他以“雅”去中和与规范“奢”的尺度。
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关于对“雅”与“奢”的认知，很多人会产生一种误解，认为两者对立：“雅”，自带一种分寸感，但“奢”则会给人满而不损则溢的观感，对于这个问题，郑树芬却认为，“雅”的方向词是“俗”，而我们对于“奢”不应只流于表面，虽然容易让人联想到奢侈与纸醉金迷，但事实上，“奢”不过是让我们的生活变得更好的途径，这是一种生活方式的选择，而非某种浪费。
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那么，“奢”的尺度如何通过“雅”来平衡？
郑树芬以“俗艳”的金色为例，曾经绝大部分人认为金色代表奢华是俗气的，如今，金色却进阶成高级色，在时尚界混得风生水起。
这是因为色彩也需要设计，需要平衡与调和，同理，我们换成相对宏观角度，当金色应用于空间时，如果轻重有度，明暗有序，富有变化性，而不是单纯意义上的堆砌，这即是：“雅奢”。
他说，希望传递的是品质与艺术的生活态度，而非纯粹意义的奢靡，这是完全不同的概念。
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收藏是得失之间的游戏
”雅奢”是郑树芬的标签，但绝非全部，他的另外一个身份是收藏家，古董世家出身的他，似乎在以另一种形式致敬家族。
如果以一条故事线勾勒出郑树芬的收藏轨迹，大概要追溯到20年前，也就是90年代的中国内地。当时，经济、文化各行各业都在复苏，恰逢香港回归后，也让两地交流更加频繁，他接下兰州铁路局的办公室项目，从香港往返兰州整整一年。
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他喜欢走遍当地的古董市场，即便市场鱼龙混杂，容易捡漏但也容易踩雷。
一幅以当时1万价格收回来的古画，后来有行家鉴定是名贵的宫廷画，捡漏带给他很多惊喜，但他一直挂着的首要原因是喜欢，而非“出身”。
关于收藏，他觉得最有趣的部分，是真假之外，全身心去享受“寻”的过程。
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这种过程往往不会预设结果，也不带有任何目的性，有人说，艺术是创作者潜意识对世界的真实反映，郑树芬追寻的也是艺术家本身的思想与状态。
除了“寻”中作乐的过程，艺术还有一种不可预估性，梵高永远不会知道，卖不出的作品竟被后世所追捧，当一件藏品在收藏家手中不断升值时，对收藏家眼光肯定的满足感远大于价值本身，并且升值还有一个附加好处是可以不断更新更多藏品。
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当然，有得也有失，说到最遗憾的收藏，他回忆起约在10年前，当时在两幅相同价格的作品之间选择，一幅是赵无极普通之作，一副是法国艺术家的顶尖之作，他选择了后者，后者如今已翻了三倍，可赵无极却是十倍之多……
虽然旁人听了都难免扼腕，但收藏就是得失之间的游戏，很难为未来的价值做预判，郑树芬的收藏观，“喜欢”排列第一，如果凡事都经过精密计算，不免会失去跌宕起伏的乐趣。
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艺术会上瘾，设计则要保持清醒
艺术是会让人上瘾的，但设计却需要保持头脑清醒
作为最懂艺术的设计师，郑树芬不免总被问到设计与艺术的复杂命题，虽然我们知道不是所有问题都要有答案，也不是每一件发生的事情都需要有意义，但艺术之于设计显然意义非凡。
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先说区别，艺术是独一无二的表达，无关乎商业逻辑，但设计更多是重复行为后的产物。郑树芬在解释如何构建艺术与设计之间的连接时，他提供了另一种解题思路：
“创作一幅画时，是在小框架内行事，设计也是如此，有自己既定的框架，但框架本身，不构成任何局限，重要的是框架之内的呈现。”
无论是艺术还是设计，都是一种传达，只是最终表现的内容不同。
有区别就有共性，若要揭示艺术与设计更深层次关系，那么，在某些层面上，艺术是高于设计的。就如画作中的构图、色彩、光影、笔触……无一不对设计有着启示意义。
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艺术对于设计的影响显而易见，当然设计的价值在于，在成为设计师之前，你永远不会知道，人的创意能让一幅画衍生成一个空间……
所以，很难去界定，设计行为本身是否就是一种艺术。
“我做设计时，更偏好把中西与新旧相结合，“耐看”二字很简单，但背后却需要更深的功力，追随昙花一现的潮流很容易，实际上是一种浪费。对于住宅，往往我会留出未来的空间，一个好的家，是可以和主人一起成长，我希望我的设计是有弹性的，能够在长时间保存，就像艺术作品一样，随着时间的流逝，依然有价值。”
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【网易设计】：您最欣赏哪个艺术家？
【郑树芬】：赵无极。他在死亡的那一刻也没有停止过创作，从他的画中，很容易可以辨别出当时所处的年代，以及他个人的生活状态，例如文革时期，他去了法国，但难掩思乡之情，那个时期的作品带有明显的中国元素；还有，当他和第二个妻子结婚时，他的画变得色彩很鲜艳，那应该是他最幸福的时期。
赵无极擅长用法国的油彩和抽象的方式来表达中国，绿色、红色、蓝色……色彩的丰富性完全有别于张大千的水墨画，但其间依然有极重的中国痕迹。
同样他的画作中，有很多类似的处理手法，他所展现的内容也极其丰富，油彩可以重叠可以立体也可以超尺度，他的聪明之处在于用油画的特点去呈现东方的韵味。
一个成功的画家，一生最多能画2000多幅，赵无极算是很长寿与成功的画家了，生前也极尽荣誉，他至死都在画画，能留下来的也只有寥寥1800多幅作品，数量非常有限。
【网易设计】：如果您不考虑经济附加值、购买力等客观因素，最想收藏哪件艺术品？
【郑树芬】：我已经收藏了赵无极的作品，现在最想要的是常玉的，他的画很简约，但用色很特别，他去表达东西方的时候，有些像马蒂斯，但却能看出很多中国元素，还有一些作品非常酷，以黑色为底，搭配轻盈的色彩，看见真正的很现代很东方的东西。
【网易设计】：听说艺术品收藏会上瘾，您上瘾的状态是什么样的？
【郑树芬】：几乎每周都会有全世界的艺廊，以及熟悉的art dealer会传最新的资讯给我，春秋两季的拍卖会也一定会去看，那么多年的收藏经验，也促使在大量的信息中及时发现重点。每年9月我也会飞过去，在法国大皇宫会有艺术展销会，古董、珠宝各种不同类型的艺术品，即便去参观一下，也会有意想不到的收获。
当然艺术品市场和其他市场一样，会有一些模式与讨论，拍卖公司最擅长发掘一些被埋没的艺术家作品，突然推出，只要有人买，之后就会买不着，毕竟创作与量产的不同，数量是有限的，这也是艺术品的价值之一。
（以上为郑树芬先生推荐艺术家）
网易记者于香港郑树芬设计事务所拍摄
“幸运”是郑树芬先生在接受采访时提及的高频词语，似乎在解释他成功中运气的占有率，但“幸运”只是初始值，如果把幸运当作披荆斩棘的武器，结局显而易见，充满变数、不可预测才是我们真实的人生，而幸运，不过是成功者对努力的另一种表达。
除此之外，让笔者印象最深的，不是他信手拈来的艺术发展史，也不是他的平易近人与爆棚的亲和力，而是即便他的分享对象是艺术小白，他仍饶有兴致地翻开一本常玉画集，耐心解释每一幅作品以及画家的境遇，那一瞬，分不清楚他是专注还是执迷，但唯一能确定是，因为热爱，所以身上有光。
采访、撰文/吴焰超
本文来源：网易设计
作者：吴焰超
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